10 maestras de la fotografía de la dignidad

La historia de la fotografía como arte es indisociable de la historia de la defensa de la dignidad. Eso, más que la belleza de las imágenes captadas o construidas, hace de ella un arte mayor. Entre los grandes fotógrafos de todos los tiempos, escogemos (sólo) diez maestras que han puesto especial atención en reivindicar la dignidad humana en circunstancias dolorosas, por valorar a los diferentes, al denunciar los abusos y la violencia o para defender las más diversas causas liberadoras. Ellas dan testimonio de que la lucha por los derechos de las personas es una tarea digna de ser retratada y que el arte tiene una inherente misión testimonial.

[01] DOROTHEA LANGE (1895-1965)

Nada más comenzar la Gran Depresión, Dorothea Lange llevó el objetivo de las cámaras de su estudio a las calles, atraída por la necesidad de contar las consecuencias sobre la población del desastre económico. Contratada después por la Farm Security Administration, recorrió durante los siguientes años la América profunda para registrar la explotación de los cultivadores y trabajadores desplazados. Sus fotos de pobres y marginados, especialmente campesinos, familias desplazadas e inmigrantes, distribuidas sin coste a los periódicos nacionales, se transformaron inmediatamente en iconos de la era y de la fotografía social.

Su fotografía más conocida es Madre Migrante (1936), que explicó así: “Vi y me acerqué a la famélica y desesperada madre como atraída por un imán. No recuerdo cómo le expliqué mi presencia o mi cámara, pero recuerdo que no me hizo preguntas. No le pedí su nombre o su historia. Me dijo su edad, 32 años. Me dijo que habían vivido de vegetales fríos de los alrededores y pájaros que los niños mataban. Acababa de vender los neumáticos de su coche para comprar alimentos. Ahí estaba sentada reposando en la tienda con sus niños abrazados a ella y parecía saber que mi fotografía podría ayudarla y entonces me ayudó. Había una cierta equidad en esto.”

La elocuencia de esta y otras instantáneas hace realidad su dicho: “la cámara es un instrumento que enseña a la gente cómo mirar sin una cámara”. (Para saber más entrar aquí)

[02] DIANE ARBUS (1923-1971)

Diane Nemerov, por matrimonio Arbus, es conocida fundamentalmente por sus trabajos de la década de 1960, cuando recorrió los barrios marginales de Nueva York para hacer visibles a quienes habitaban allí con una mirada distinta. Abandonó los trabajos sobre las modelos elegantes de las revistas de moda y eligió a personas marginales y diferentes para sus fotografías: gemelos, enanos, nudistas, streepers, travestis y prostitutas, enfermos mentales y gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes, que miraban directamente a la cámara, eran captados con el flash para revelar sus defectos, con la intención de producir en el espectador “temor y vergüenza”.

La fotografía de Diane Arbus representa la normalidad de lo monstruoso: cuando fotografiaba el dolor lo hacía realmente en personas normales sumidas en situaciones que las hacían aparecer como anormales. No es extraño que dijera: “La mayoría de la gente pasa por la vida temiendo que les pueda tocar pasar por una experiencia traumática. Los seres inusuales nacieron con su trauma. Ellos han pasado ya por su test vital. Son aristócratas.” (Para saber más entrar aquí)

[03] LINDA WOLF (1950)

Teen Talking Circles (www.teentalkingcircles.org) es una ONG fundada por esta fotógrafa norteamericana, dedicada a inspirar, educar y empoderar a varones y mujeres jóvenes, promover acogimientos y colaboraciones entre personas de distintos sexos, generaciones y culturas, así como a animar a los jóvenes a emprender iniciativas razonables para lograr un mundo más justo, compasivo y sostenible.

Como fotógrafa, Linda Wolf (www.lindawolf.net) deja sentir la influencia de su activismo en el movimiento de liberación de la mujer de los 60. Su mirada se centra en reportajes sobre temas como la diversidad cultural, las culturas indígenes, la mujer o la justicia social, aunque también se ha dedicado al fotoperiodismo.

Uno de sus proyectos más conocidos, de finales de la década de 1970, consistió en la denuncia de los efectos deshumanizadores de la publicidad mediante la contra-exhibición en autobuses y sus paradas de murales con personas corrientes sentadas en los bancos de espera: una forma de llamar la atención sobre la necesidad de tomar conciencia de las gentes con las que nos cruzamos a diario.

[04] MARGARET BOURKE-WHITE (1904-1971)

Indudablemente uno de los progenitores absolutos del fotoperiodismo, Margaret Bourke-White es una leyenda de la especialidad. Fue la primera fotógrafa de guerra y la primera que trabajó en zonas de combate. Entre sus honores, ser la autora de la primera portada de la revista Life o ser el único fotoperiodista occidental que permaneció en la URSS tras la invasión de las tropas nazis en 1941. A ella se deben las impresionantes fotos sobre Buchenwald, del que escribió: “Usar una cámara era casi un alivio. Esta interponía una ligera barrera entre el horror delante de mí y yo misma”. Todos los horrores de la guerra quedarían recopilados en un clásico de la fotografía: Dear Fatherland, rest quietly.

Tras la contienda, la fotógrafa se implicó activamente en el movimiento de la no-violencia de Gandhi, al que retrató en una famosísima instantánea. Fiel a su compromiso con la verdad –“la verdad completa es esencial, y es la que me agita cuando miro a través de la cámara”, decía-, dedicó similar atención a ambos territorios de la partición, así como a las devastadoras consecuencias de la guerra hindú-musulmana.

Su mirada directa, limpia y sin concesiones responde a esta advertencia que lanzaba sobre la necesidad de mirar sin artificios ni subjetividades: “satura de ti mismo el tema y la cámara hará de todo menos llevarte de la mano [a él]”. (Para saber más entrar aquí)

[05] INGE MORATH (1923-2002)

La austriaco-norteamericana Inge Morath (http://ingemorath.org/) fue por educación, sensibilidad y vida una auténtica ciudadana del mundo. Esta mujer políglota y viajera infatigable, buscó en la comprensión de las culturas que conoció y de sus gentes la fuente inspiradora de su arte. Icono de la naciente agencia Magnum, luego mundialmente famosa, dejó un legado enorme de fotografías que retrataron a personas de los cinco continentes y en las que trató de comprender lo propio de cada lugar, que intentaba atrapar sin pretensiones moralizantes ni didácticas.

A ella debemos estampas memorables sobre la España de la década de 1950, publicadas en su Guerre à la Tristesse. Como ésta de Guadix de 1954.

Quedémonos de Inge Morath con la relación que debe establecer todo gran fotógrafo con el medio que retrata. Un vínculo íntimo que ella definió así: “la fotografía es un extraño fenómeno… Confías en tu ojo y no puedes ayudar con otra cosa que desnudando tu alma.”

[06] MASUMI HAYASHI (1945-2006)

Nacer en un campo de internamiento para estadounidenses de origen japonés movió a esta artista ( www.masumimuseum.com) y profesora a hacer memoria de lo acaecido mediante una serie de collages panorámicos desoladores (www.masumihayashi.com), con el objeto de poner en evidencia la banalidad, inutilidad y degradación inherentes a la injusticia de tales lugares.

Sus grandes fotografías, de una enorme complejidad y belleza, creadas en forma de mosaico a partir de pequeñas tomas de 10×15 cm, buscan guardar la memoria colectiva de la historia tal cual fue, así como de servir de peregrinaje visual a cuantos supervivientes queden de la experiencia. Con idéntico fin, creó hasta su muerte otras series de collages similares sobre prisiones abandonadas, ruinas postindustriales, el desarrollo urbano o lugares sagrados.

[07] SHIRIN NESHAT (1957)

La iraní Shirin Neshat representa la voz del exilio, íntimo y exterior. Veámosla explicarlo.

Como en el caso de bastantes otros artistas, su obra está directamente marcada por su experiencia personal. Recién retornada de los EEUU a su país, toma conciencia del significado del totalitarismo, en esta caso religioso: “Siempre digo que fue una experiencia muy intensa porque nunca había estado en un lugar en el que la ideología tuviera tanto peso. La Revolución cambió drásticamente todos los aspectos de la vida en Irán. El Irán que encontré era por un lado aterrador y por otro muy excitante. El país había estado tan aislado que en cierto modo parecía que uno entraba en otro mundo completamente distinto. Esto tenía cierto atractivo especialmente viniendo de occidente, del capitalismo y el individualismo propios del primer mundo. Pero cuando una se enfrentaba con aspectos tan cruciales como la ausencia de derechos humanos y de libertad de expresión, daban ganas de salir corriendo.” Fruto de esa experiencia serán sus series Unveiling Women of Allah a las que seguirán otras en las que retrata el conflicto de las mujeres musulmanas en las sociedades contemporáneas.

Activista política, fotógrafa, directora de cine (por su película Women without Men de 2009 recibió el León de Plata del festival de Venecia a la mejor directora), Shirin Neshat está considerada una de las grandes artistas actuales. (Para saber más entrar aquí)

[08] HELEN LEVITT (1913-2009)

Si hay alguien que haya captado como nadie la belleza de las calles es Helen Levitt. Su obra retrata el devenir de la gente normal en múltiples situaciones. Pero hay una en la que ha dejado una huella indeleble: los juegos de los niños“Aquello era antes de la televisión y el aire acondicionado”, dijo sobre sus instantáneas tomadas en las calles de Nueva York antes de que la vida moderna marcada por el consumismo lo invadiera todo.

Los niños se disfrazaban con máscaras, conducían triciclos, trepaban por las paredes, reían y se divertían. Helen Levitt retrataba a los pobres, a los desfavorecidos que capeaban las desgracias con humor y disfrutando de la rutina diaria. Su fotografía tiene conciencia social, pero casi por casualidad, porque la gente es más que sus desgracias o limitaciones. Y es a la gente a quien quería retratar, sin más. Así que son las fotografías las que hablan, no la fotógrafa: “Yo nunca quise decir nada en mis fotografías. La gente me pregunta que qué significan. Y yo no tengo respuestas válidas”. Quizá por eso la tierna elocuencia de sus imágenes sea un alegato sin respuesta. (Para saber más entrar aquí).

[09] CARRIE MAE WEEMS (1953)

“Desde el principio, he estado interesada en la idea de poder y sus consecuencias; las relaciones están hechas y articuladas a través del poder”, dice la artista. De Carrie Mae Weems (http://carriemaeweems.net/) se ha dicho que aúna el radicalismo en la defensa de sus principios con la belleza, actitudes que son complementarias. Su mirada se ha centrado en mostrar la realidad de la comunidad afroamericana actual, en especial en lo relativo al racismo, las relaciones degénero y la identidad personal. Poco a poco, su obra ha ido abriéndose para mostrar la realidad humana en su conjunto. Pues, como dice: “la experiencia de la negritud no es realmente el punto crucial sino, más bien, la compleja, multidimensional experiencia humana y la inclusión social.”

http:https://www.youtube.com/watch?v=pPDInpNoO50&t=129s//

Carrie Mae West ha prestado especial interés a las relaciones de poder. También a los elementos autobiográficos, la importancia de las narraciones, los estándares sociales de humor, la forma como se construye y narra la historia, etcétera. En definitiva, una carrera centrada en testimoniar cómo ve y vive ella en la sociedad en la que vive desde su pertenencia a una de las múltiples minorías que la componen.

[10] ROSA ISABEL VÁZQUEZ (1971)

Concluimos este itinerario con una extraordinaria fotógrafa española de naturaleza, a la que mira para descubrir la maravilla y la poesía que esconde, y sin cuya presencia en las vidas humanas la dignidad quedaría muy reducida. Invito a conocer sus imágenes y a contemplarlas sin más palabras. Son elocuentes por sí mismas.

Tomo de Rosa Vázquez (http://rosavazquez.com/) prestadas sus propias palabras destinadas a orientar un proyecto fotográfico personal (para leer el texto entero entrar aquí). Las creo excelentes como colofón y resumen de las trayectorias de todas las artistas mostradas, maestras de diversos aspectos de la búsqueda, manifestación y defensa de la dignidad humana, pero coincidentes en estas diez claves de su actividad.

  1. Buscaron temas que les movió interiormente.
  2. Investigaron intensamente.
  3. Aprovecharon sus recursos personales y aprendieron otros nuevos.
  4. Planificaron su tarea.
  5. Movilizaron recursos.
  6. Seleccionaron temas e imágenes centradas en contar lo que se quería decir.
  7. Contrastaron opiniones.
  8. Seleccionaron con inteligencia el formato de presentación y distribución.
  9. Trabajaron de forma constante y sin desfallecer.
  10. Confiaron en ellas misms y en su mirada personal.

 

Todas las imágenes y vídeos han sido seleccionados con fines no comerciales.

 

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Saunier Ortiz
Titulado en Ciencias Físicas y Teología, trabajo en las Escuelas Pías de Aluche, donde intento con mis alumnos preguntar, indagar y dar respuestas reflexivas en los temas que trabajamos. De naturaleza curiosa y practicante del diálogo entre distintos saberes, he colaborado tanto en la formación docente como en distintos aspectos de la innovación pedagógica y de los proyectos de trabajo con profesores y alumnos. Pero lo que más me gusta es, sin duda, aprender con otros.

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